hand close up_edited_edited_edited.jpg

   :worte über musik 

Nicht-akustisches Material zur Musik: persönliche Notizen, Ideen und Überlegungen in Form von verstreuten Texten.

Between Curves
and Outlines

Das Konzert als Prozess des Werdens

2018

Unter der Inspiration von Gertrude Steins Prosa-Gedichtsammlung Tender Button (1914), auf die sich der Titel bezieht, ist dieses Musikprogramm wie eine Reise gestaltet: seine abstrakte Bedeutung des Dazwischen-Seins repräsentiert den gewöhnlichen menschlichen Zustand in der Mitte seiner existenziellen Entwicklung,

indem verschiedene Meere während des Prozesses des Werdens überquert werden. 

 

Um dem Konzert ein Gefühl des ununterbrochenen Flusses zu geben, werden zwischen den einzelnen Kammermusikstücken kurze Klavier-Solo-Interludes des italienischen Komponisten Alessandro Solbiati gespielt. Diese sind in einer wachsenden Reihenfolge angeordnet, beginnend mit einem Duo für Posaune und Klavier, über ein Trio, ein Quartett und dann ein Quintett, bis schließlich das komplette Ensemble (Sextett) auf der Bühne steht.

 

Die ständige Bewegung der Musiker während des Konzerts, die Überschneidungen mit literarischen Werken und der Einsatz von Elektronik sind alles Elemente, die als organisch in der spezifischen Dynamik dieses musikalischen Projekts konzipiert sind. 

Die Zusammenarbeit mit zwei aufstrebenden jungen Komponisten, Antonio Covello und Philipp Lack, macht das ganze Projekt zu einer Reiseerfahrung in einer Welt, in der wir alle, um es mit den Worten von Fernando Pessoa zu sagen, «an Bord eines Schiffes leben, das von einem unbekannten Hafen zu einem anderen, uns unbekannten Hafen aufgebrochen ist» - in einem permanenten In-Between Zustand.

 

©Vittoria Quartararo

Dieses Musikprojekt entstand im Rahmen meiner Abschlussprüfung (MA Neue Musik Ensemble), Hochschule für Musik und Tanz in Köln, AULA, 18.09.2018

Alessandro Solbiati: Interludi per pianoforte (2000-2011) - Auswahl         

Haruyuki Suzuki: In Between (2016) für Posaune und Klavier

Antonio Covello: Son tus huellas el camino (2018), für Klavier, Violine und Cello

Michael van der Aa: Quadrivial (1997), für präpariertes Klavier, Violine, Flöte und Cello

Philipp Lack: Pierrot mondain (2018) für Sextett und Tonband                               

Arnold Schönberg: Pierrot lunaire (Auswahl) 

Manon Blanc-Delsalle, Mezzosopran

Andria Chang, Geige

Elio Manuel Herrera, Cello

Evgenios Anastasiadis, Flöte

Till Müller, Klarinette

Vittoria Quartararo, Klavier & Leitung

 

die Zeit aus den Fugen

Alte und neue Musik im Dialog

2019

Ist es möglich, den philosophischen Begriff der Zeit - seine Fluidität, seine Nichtlinearität und seine Schichtung - in einem Konzert zu erfahren?

 

Der Satz von Shakespeares Hamlet «die Zeit ist aus den Fugen» bietet eine Menge Interpretationsspielraum. 

Vielleicht kann sich die Musik nur frei bewegen, wenn sie sich losgelöst von der Chronologie und der Musikgeschichte wahrgenommen wird.

Dieses außergewöhnliche Konzertprogramm für Klavier, Posaune und Flöte lässt sich in eine neue (Un-)Ordnung setzen, in der verschiedene Musikstücke aus Vergangenheit und Gegenwart durch Vermischung unerwartete Beziehungen zueinander entwickeln.

Die Linearität wird durch unkonventionelle Abfolgen aufgebrochen. 

Durch diese Art der Betrachtung wird uns eine neue, faszinierende Idee von Anarchie gegeben, die jedoch mit Chaos und Störung nichts zu tun hat, sondern uns als Metapher für eine freie Welt vor der Kategorisierung durch Zeit dient.

 

©Vittoria Quartararo 2019

+ CEMBALO:

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Sonata für Flöte und Cembalo in E Dur BWV 135 

Béla Bartók (1881-1945): Mikrokosmos - Auswahl

Antonio Vivaldi (1678-1741): Sonata in B Dur für Posaune und Klavier 

Andrew Thomas (*1939): Fear no more the heat o´ th´sun (1975) für Flöte, Posaune Und Cembalo 

Joseph Haydn (1732-1809): The Wanderer, Hob.XXVI a:32 für Flöte und Cembalo (ursprünglich für Stimme) 

Yoshiki Matsuura (*1991): Mata aru tokiwa - Japanische Volkslieder für Flöte Posaune und Cembalo Bearbeitung 

Heinz Holliger (*1939): aus Mileva-Lieder (1994), V. Möge sich dein Leben Für Flöte,Posaune und Cembalo 

Mauricio Kagel (1931-2008): Atem für einen Bläser (1969-1970) 

Henry Purcell (1659-1695): A new Ground ZT 682 für Cembalo



 

+ KLAVIER:

Alessandro Solbiati (*1956): Interludi per pianoforte (2000/2011) - Auswahl

Joseph Haydn (1732-1809): The Wanderer, Hob.XXVIa:32 Bearbeitung für Flöte und Klavier 

Haruyuki Suzuki (*1962): In between (2016) für Posaune und Klavier 

Robert Schumann (1810-1856) : Drei Romanzen Op.94 für Flöte und Klavier 

György Kurtág (*1926): Sechs Stücke für Posaune und Klavier (1999) - Auswahl 

Heinz Holliger (*1939): - aus Mileva-Lieder (1994), V. Möge sich dein Leben für Flöte, Posaune und Klavier

Yulia Mun, Flöte

Yoshiiki Matsuura, Posaune

Vittoria Quartararo, Klavier/Cembalo & Leitung

 
 

Im süssen Lärm des Lebens

2019

Für zwei Musiker und eine Meditationsgruppe

Die Kunst der Meditation begleitet eine freie Impro-Jam-Session für zwei Musiker, die den Raum für Klänge und Stille schafft.

Manchmal tauchen Klänge aus der Stille auf, so wie manche heimlich gepflegte Sehnsucht gestanden wird. Mit der typischen Einfachheit, die die Tiefe eines Wunsches verbirgt, findet eine süße Enthüllung statt.

Im Süssen Lärm des Lebens ist kein Duett für zwei Instrumentalisten, sondern eher eine Kommunikation zwischen verschiedenen Körper-Subjekten in einem Raum,

die sich gegenseitig in ihren Ausdehnungen spüren und von einem starken, aber subtilen Wunsch beherrscht werden, die Grenzen von Klang, Raum- und Zeitdimension

zu erweitern, hinter ihrer eigenen Körperlichkeit und konkreten Präsenz.

Die Performance lädt die Zuhörer und die Meditationsteilnehmer vor allem zum Leben und Wahrnehmen ein. Sensibel und wach zu sein wie ein Baum, der seine Äste dem Leben entgegenstreckt und doch im Schatten des Bodens verwurzelt ist.

In der Welt zu bleiben, ohne von ihr verletzt zu werden. 

Die Empfindungen mehr zu begehren als die Gedanken. Eine Existenz mit Inbrunst und asketischer Einsamkeit zu leben. Sich als ein Fremder dieser Welt zu fühlen.

 

Die Performance ist inspiriert von einem kurzen Gedicht im Haiku-Stil des großen italienischen Schriftstellers Sandro Penna (1906-1977):

im süssen lärm des lebens

möchte ich schlafend leben

 

(Sandro Penna)

Übersetzung von Martina Radig, Penna 6 volte, Era Nuova, 2006


 

©Vittoria Quartararo 

 

Genesis

Die Musik, der Tanz und die Magie

2019

In diesem Projekt erforschen Musik und Tanz die Verbindung zwischen dem Körperlichen und dem Nicht-Körperlichen, den alten Sinn für Magie und ihre Rolle im Gleichgewicht zwischen Mensch und Natur.

 

L'essence de l'Homme est sonore, le son engendre la lumière et l'esprit s'y manifeste. 

 

Diese Maxime der Hopi-Indianer findet sich in einer der letzten Partituren des Pariser Komponisten André Jolivet, dem Concerto pour violon et orchestre (1972). Sie verrät viel über seine ästhetischen und philosophischen Vorstellungen, die darauf abzielten, der Musik ihre ursprüngliche, uralte Bedeutung als magischer, beschwörender Ausdruck zurückzugeben.

 

Eine ähnliche Faszination für das Thema musique essence du monde, das in Jolivets Klavierprélude Cosmogonie (1938) im Mittelpunkt steht, findet sich auch in dem Stück Aqua (1994) von Akira Nishimura. Das atomistische Konzept des Universums wird in Stockhausens Klaviestück V (1954) in gewisser Weise verklärt, wo sich extravagant verteilte Gruppen von Anmutungstönen um lange Zentraltöne konzentrieren, «wie Monde um Planeten und Planeten um eine Sonne» (Stockhausen).

 

Durch die Zusammenarbeit zwischen dem Pianisten und den Tänzern wird der Klang durch die auf der Bühne dargestellten menschlichen Bewegungen neu geformt. Sowohl die materiellen als auch die immateriellen Dimensionen, die durch Tanz und Musik repräsentiert werden, bieten einen möglichen Schlüssel zum Element der Magie, das im Gleichgewicht zwischen Mensch und Kosmos zu liegen scheint.

Woher kommen wir alle? Wie hat die Welt die Form angenommen, die sie hat?

Zurück zu den Anfängen zu gehen bedeutet, eine Welt zu finden, in der die ursprünglichsten Teile der Natur noch erhalten sind. Diese Idee wurde vom brasilianischen Fotografen Sebastião Salgado (1944*) in seiner berühmten Bildersammlung Genesis, auf die sich dieses Projekt idealerweise bezieht, in der bildenden Kunst magisch dargestellt.

©Vittoria Quartararo

Randall Meyers: 3 Poems for the Night and the Half-Night, for partially prepared piano (2004)

K. Stockhausen: V Klavierstück (1954) 

A. Nishimura: Three visions: 1. Aqua (1994) 

A. Jolivet: Cosmogonie (1938)

Vogel oder Feder

Klaviermusik und improvisierte Zeichnung: eine audio-visuelle Aufführung

2021

Il faut être léger comme l’oiseau, et non comme la plume. 

(Paul Valéry)

Dieses Projekt beschäftigt sich mit dem Thema LEICHTIGKEIT. Es erforscht

die Beziehung zwischen der Audio- und der visuellen Ebene und lädt so

zu freien Assoziationen ein.

In Anlehnung an Italo Calvino (Six Memos for the Next Millennium, 1988)

ist Leichtigkeit kein Mangel, sondern eine Tugend, die mit Präzision, Entschlossenheit und einer nachdenklichen Art der Wahrnehmung der Realität verbunden ist, die die Welt «aus einer anderen Perspektive, mit einer anderen Logik und mit neuen Methoden der Erkenntnis und Überprüfung» betrachtet.  

"Sei leicht wie ein Vogel, nicht wie eine Feder", schlägt Paul Valéry

in seinem Zitat vor. Was ist also das Geheimnis des Vogels?

Um diesen spezifischen Sinn für Leichtigkeit zu finden, muss man vielleicht

eine Perspektive einnehmen, die der der Feder metaphorisch entgegengesetzt ist, die stattdessen mühelos den Veränderungen ausgesetzt ist,

wie ein Spielzeug des Windes. 

Leichtigkeit als Bedachtsamkeit ist ein Konzept, das perfekt durch die improvisierte Zeichnung eines Künstlers repräsentiert wird, der seiner freien Intuition durch präzises Wissen Substanz verleiht. Sowohl der Künstler als auch der Pianist sind gleichermaßen an diesem Projekt beteiligt, da die Zeit in Klang und Federzeichnung fließt. Während die Musik gespielt wird, werden die Linien und Formen, die aus der Inspiration des Künstlers entstehen, auf eine Leinwand projiziert, die an der oberen Abdeckung des Klaviers hängt und den gesamten kreativen Prozess sichtbar macht.

Verschiedene Klavierstücke und Eindrücke, die ineinander übergehen, werden

zu einem ununterbrochenen audio-visuellen Erlebnis verbunden.

Eine Auswahl von Debussys Klavieretüden wird immer wieder gespielt

und lädt die Zuhörer ein, die versteckten Punkte zwischen den verschiedenen Bildern zu kombinieren. 

Die assoziative Freiheit war für Debussy wesentlich, und er selbst äußerte das Bedürfnis nach mehr Fantasie und Kontakt mit der natürlichen Welt: 

«Die Musik ist eine geheimnisvolle Mathematik, deren Elemente

am Unendlichen teilhaben. Sie lebt in der Bewegung des Wassers,

im Spiel der Wellen der wechselnden Winde;

nichts ist musikalischer als ein Sonnenuntergang!» 

(C.Debussy, Monsieur Croche. Sämtliche Schriften und Interviews zur Musik, Reclam, 1974).

 

Die Evokation des Eindrucks, der Traum und die unwillkürliche Erinnerung sind mit dem Unbewussten oder Unentzifferbaren verbunden.

Um diese Komplexität zu erfassen, muss sich der Geist von Zwängen befreien können. Und leicht zu fliegen. 

 

©Vittoria Quartararo 2021

C. Debussy: Étude III pour les quartes

I. Fedele: Reflets (2018)*

C. Debussy: Étude VII pour les degrés chromatiques

F. Filidei: Berceuse (2018) *

C. Debussy: Étude X pour les sonorités opposées

G. Ligeti: Etüden n.10 Der Zauberlehrling & n.11 En Suspance (1988-1994)

C. Debussy: Étude VIII pour les agréments

E. Carter: Matribute (2007)

C. Debussy: Étude XI pour les arpèges composés

 

A Music of Flame
and Crystal

2021

Eine Note zur Klaviermusik von Dutilleux

Die Entdeckung der Musik von Henri Dutilleux war für mich eine bedeutsame Erfahrung.  Als ich zum ersten Mal sein Orchesterkonzert Métaboles erlebte, war ich erstaunt  und ein wenig überwältigt von der perfekten Mischung

aus beschwörender Energie und klarer Struktur, die hinter dieser Musik steht.

 

Zu dieser Zeit verbrachte ich einen unvergesslichen Sommer in Paris, war untergebracht in der Cité Internationale des Arts, und durfte mich voll und ganz auf die Musik und auf mich selbst konzentrieren. 

Ich war mir des Traums, den ich in dieser Zeit gelebt habe, sehr bewusst und nahm jeden Tag zum Anlass, die Stadt zu entdecken, den Spuren der großen Künstler, die dort lebten, zu folgen und alle Eindrücke aufzusaugen, die ich finden konnte, bevor ich in mein Studio zurückkehrte, um zu üben.

In gewisser Weise wurde Dutilleux zu der Entdeckung, nach der ich mich in all den "spukhaften" Stunden in Paris gesehnt hatte. 

Doch erst einige Zeit später, während der durch die Pandemie verursachten Isolation, habe  ich die Zeit und die Einsamkeit gefunden, die ich für

eine intensivere und direktere Reise in die Gesamtheit von Dutilleux' Klaviermusik benötigte, die sich als eine Sammlung von sehr heterogenen Stücken präsentiert, die im Laufe einer recht großen Zeitspanne in seinem Leben entstanden sind.

Geschrieben zwischen der Sonate und den Trois Préludes, die wohl die tragenden Säulen unter seinen Klavierwerken sind, gibt es eine Reihe von Miniaturen

und Skizzen, in denen man seine sehr intime und aufrichtige Beziehung zu diesem Instrument spüren kann.

Die Kompositionen für Klavier zeigen die Spuren des Lebensweges des Komponisten und die Entwicklung seiner sehr persönlichen Sprache, angefangen von den Jahren, in denen er beim Radio arbeitete (die kurzen Pastiches-Stücke der Suite Au gré des ondes wurden von Dutilleux als "Füller" zwischen

den verschiedenen Sendungen von Radio France konzipiert) bis zu der Zeit,

in der er nur noch von seiner Musik leben konnte, nachdem er bereits internationale Anerkennung als Komponist erlangt hatte. 

Darüber hinaus scheinen sie von derselben Grundsubstanz imaginärer

und außermusikalischer Konzepte durchdrungen zu sein, die Dutilleux in Werken

wie dem Streichquartett Ainsi la nuit (1974-76) oder den Meisterwerken für Orchester Timbres, espace, mouvement (1977-78) und Mystère

de l'instant (1986-89) entwickelt hat, zu denen einige Klavierstücke ähnliche Notationen und Strukturen aufweisen. 

Das philosophische Thema der Zeit und der Erinnerung, stark beeinflusst von

der Ästhetik Marcel Prousts, das Thema der Nacht, der Sterne

und der Gegenstücke von Licht und Flamme, aber auch der Raum und die darin enthaltenen möglichen vertikalen und horizontalen Reflexionen und Spiegelungen sind einige der Inhalte, die Dutilleux sein ganzes Leben lang inspiriert haben und die oft durch Werke der Poesie oder der bildenden Kunst in den Fokus gerückt werden. Diese außermusikalischen Aspekte in Dutilleux' Klaviermusik zu erkennen, war für mich besonders anregend, denn es drängt mich dazu, über die musikalische Materie breit zu denken, indem ich oft Verbindungen zu anderen Kunstformen finde, um eine reife Interpretation seiner Musik zu geben.

In einigen anderen Stücken, die einem Nahkampf mit dem Klangmaterial gleichen, konzentrierte der Komponist sein künstlerisches Interesse auf den wesentlichen Aspekt der Musik: das natürliche Phänomen der Resonanz.

In seiner ständigen Beziehung mit der Stille scheint der Klang eine ähnliche Phänomenologie zu haben wie die Objekte mit der Schwerkraft, aber er wagt es,

Illusionen zu schaffen, indem er sich über physikalische Gesetze hinwegsetzt

und mit der Unendlichkeit spielt.

 

Vielleicht ausgehend von einer Frage der Spekulation über die Natur, schrieb Dutilleux bestimmte Momente seiner Klaviersonate, gewillt, die beschwörende Lyrik der Musik auszudrücken, die unbewusst mit der Erinnerung spielt

und die Sinne zu unserer Genese zurückbringt. Dieses Mysterium der universellen Existenz scheint sich in Schatten und Stille zu verlieren (Préludes, I. D'ombre et de silence) und sich in eine Form zu kristallisieren, die an einem Akkord hängt

(II. Sur un même accord); dann scheint es, immer in Bewegung, in einen Strudel der Entropie zu fallen, in dem es im Inneren Bereiche der Ordnung für einige logische und geometrische Vorgänge geben mag: ein Spiel der Gegensätze

(III. Le jeu des contraires). 

 

Oft scheint sich die Musik von Dutilleux auch auf eine visuelle Ebene zu verlagern:

Während die Vertikalität von Klavierakkorden wie Licht auf einer schwarzen Leinwand nachhallen kann, wird der Blick horizontaler, distanzierter und manchmal visionär, indem er den Nachhall eines in Flüssigkristall verwandelten Klangs wahrnimmt, wie viele Anmerkungen anzudeuten scheinen (Brillant, clair et cristallin...).

 

Zum Bild des Kristalls kommt das entgegengesetzte Symbol der Flamme,

das als komplementäres Gewicht dient, denn diese kontrastierenden Bilder

werden auch verwendet, um die Alternativen sichtbar zu machen, die sich

der Natur bieten, was zum Beispiel den Prozess der Entstehung von Lebewesen betrifft. Wie Italo Calvino in seinem genialen Essay Exaktheit in Sechs Notizen für

das neue Jahrtausend (1988) schrieb, spiegeln Kristall und Flamme «zwei Formen vollkommener Schönheit, von denen wir unsere Augen nicht losreißen können,

zwei Arten des Wachstums in der Zeit, der Verausgabung der sie umgebenden Materie, zwei moralische Symbole, zwei Absolutheiten, zwei Kategorien zur Klassifizierung von Fakten und Ideen, Stilen und Gefühlen».

Zwischen dem Kristall und der Flamme, im unendlichen Spiel von Klang und Stille - dort lebt für mich die Musik von Dutilleux. 

 

©Vittoria Quartararo 

Dieser Text (Englisch im Original) wurde als kurze Artist's Note für das Booklet der CD  "Henri Dutilleux Complete Music for Piano Solo - Vittoria Quartararo" geschrieben, ©PIANO CLASSICS /Brilliant Classics 2021